Frau am Fenster IV

Welch eine sonderbare und großartige Erfindung ist doch Glas – nah zu sein, ohne aneinanderzugeraten. … Ich sitze hinter Glas, still, mein eigenes Porträt.

Tomas Tranströmer, „Isländischer Orkan“ in „Sämtliche Gedichte“

Die Zeichnende junge Frau wird erst seit 1996 Marie-Denise Villers zugeschrieben und ist möglicherweise ein Selbstporträt der Künstlerin. Ihr bevorzugtes Motiv waren Bildnisse junger Frauen unter dem selbst gewählten Begriff études des femmes.

Advertisements

Frau am Fenster III

I don’t rise to the occasion unless I’m really moved.

Elisabeth Peyton

Elisabeth Peyton - Annette Greenwich St. - 2004
Elisabeth Peyton, „Annette Greenwich St.“ (2004)

Zitat und Bild haben eigentlich nichts miteinander zu tun. Aber ich mag das Motiv der Frau am Fenster sehr. Und auf diesem Bild begeistern mich die Details oder was ich in ihnen zu erkennen glaube. Die Passionsblume auf der Fensterbank, aus deren Ranken mir noch einmal das Gesicht der Porträtierten entgegen blickt. Die Passionsfrucht, deren leuchtendes Orange so schön mit ihrer Kleidung korrespondiert. Passion, von lateinisch pati „erdulden, erleiden“ bzw. passio „das Leiden“ oder – im allgemeinen Sprachgebrauch: Passion für Leidenschaft, Vorliebe, Liebhaberei. Ich denke auch an einen Tweet, den ich gestern las: The sound of resilience…

Ein Beitragsfaden zu Elisabeth Peyton findet sich bei der Mützenfalterin und Zeichnungen von Passionsblüten bei Susanne Haun.

I could give all to Time

Gabriele Münter, Breakfast of the Birds, 1934
Gabriele Münter, „Breakfast of the Birds“ (1934)

To Time it never seems that he is brave / To set himself against the peaks of snow / To lay them level with the running wave, / Nor is he overjoyed when they lie low, / But only grave, contemplative and grave.

What now is inland shall be ocean isle, / Then eddies playing round a sunken reef / Like the curl at the corner of a smile; / And I could share Time’s lack of joy or grief / At such a planetary change of style.

I could give all to Time except – except / What I myself have held. But why declare / The things forbidden that while the Customs slept / I have crossed to Safety with? For I am There, / And what I would not part with I have kept.

Robert Frost, „I could give all to time“

Dog Women

Inspired by a story a friend had written for her, Paula Rego draws her Dog Woman in pastels, referencing the raw physicality of Degas’ drawings:

„To be a dog woman is not necessarily to be downtrodden; that has very little to do with it. In these pictures every woman’s a dog woman, not downtrodden, but powerful. To be bestial is good. It’s physical. Eating, snarling, all activities to do with sensation are positive. To picture a woman as a dog is utterly believable.“

Quelle: Saatchi Gallery

Speak to me of Rivers

I’ve known rivers:

I’ve known rivers ancient as the world and older than the flow of human blood in human veins.

My soul has grown deep like the rivers.

I bathed in the Euphrates when dawns were young.
I built my hut near the Congo and it lulled me to sleep.
I looked upon the Nile and raised the pyramids above it.
I heard the singing of the Mississippi when Abe Lincoln went down to New Orleans, and I’ve seen its muddy bosom turn all golden in the sunset.

I’ve known rivers:
Ancient, dusky rivers.

My soul has grown deep like the rivers.

Langston Hughes, „The Negro Speaks of Rivers“

Blanketing Space

Zu Kiki Smiths Triptychon siehe bei der Mützenfalterin: „Kiki Smith – Sky, Earth, Underground“.

Mich erinnert es unwillkürlich an die Bilder von Éduard Vuillard, der sich in den 1890er Jahren von Tapisserien inspirieren ließ. Er malte seine Bilder als würde er sie weben. Interieurs, die seine Mutter und Schwester bei der Hausarbeit zeigen oder Näherinnen bei ihrer Arbeit in einer der Korsettwerkstätten jener Zeit. Sie werden durch gemusterte Tapeten konturiert, ja, scheinen daraus hervorzutreten oder darin zu verschwinden, was den vermeintlichen Alltagsszenen eine zuweilen unheimliche Atmosphäre verleiht.

„What is behind it?“,  fragt Charles Simic in seinem Gedicht Tapestry.  – „Space, plenty of empty space.“ Aber während Kiki Smith von diesen Räumen dahinter erzählt, scheint es aus denen von Éduard Vuillard kein Entrinnen zu geben.

Red Riding Hood

Long ago
there was a strange deception:
a wolf dressed in frills,
a kind of transvestite.
But I get ahead of my story.

Those two remembering
nothing naked and brutal
from that little death,
that little birth,
from their going down
and their lifting up.

Anne Sexton, „Red Riding Hood“

Und wunderbar weitergedacht: Die Mützenfalterin über das Schlüpfen aus der Haut eines Wolfes…

Dance me to the end of love

Hinwendung zu einem meiner Lieblingslieder von  Leonard Cohen.

Er selbst sagt über dessen Genese:

Dance Me to the End Of Love’ … it’s curious how songs begin because the origin of the song, every song, has a kind of grain or seed that somebody hands you or the world hands you and that’s why the process is so mysterious about writing a song. But that came from just hearing or reading or knowing that in the death camps, beside the crematoria, in certain of the death camps, a string quartet was pressed into performance while this horror was going on, those were the people whose fate was this horror also. And they would be playing classical music while their fellow prisoners were being killed and burnt. So, that music, “Dance me to your beauty with a burning violin,” meaning the beauty there of being the consummation of life, the end of this existence and of the passionate element in that consummation. But, it is the same language that we use for surrender to the beloved, so that the song — it’s not important that anybody knows the genesis of it, because if the language comes from that passionate resource, it will be able to embrace all passionate activity.

Einmal mit diesem Wissen um seine Entstehungsgeschichte betraut, höre ich das Stück noch einmal mit anderen Ohren:

Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic ’til I’m gathered safely in
Lift me like an olive branch and be my homeward dove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Oh let me see your beauty when the witnesses are gone
Let me feel you moving like they do in Babylon
Show me slowly what I only know the limits of
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the wedding now, dance me on and on
Dance me very tenderly and dance me very long
We’re both of us beneath our love, we’re both of us above
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Dance me to the children who are asking to be born
Dance me through the curtains that our kisses have outworn
Raise a tent of shelter now, though every thread is torn
Dance me to the end of love

Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic till I’m gathered safely in
Touch me with your naked hand or touch me with your glove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Leonard Cohen

En Route V

Darum ist die Schönheit niemals frei von Melancholie: Sie trägt gleichsam Trauer um die Philosophie. Bei der Kunst geht es nicht um einfache Arbeit des Negativen, sondern um die von keiner überwindenden Dialektik aufhebbare Trauerarbeit.

Sarah Kofman, „Melancholie der Kunst“

Dinge

die dinge sind heute irgendwie einsam / die dinge sind wie vasen ohne freunde / sind wie das buffet hier mit seiner schweren / platte an die wand gestellt und stehngelassen. / haben die dinge, wollen wir wissen / denn keine anderen dinge zum spielen? / hat man den dingen denn nichts, aber auch / gar nichts gegeben, was sie halten können? / doch wenn wir einmal ehrlich wären / würden wir nur eines wissen wollen / wo die dinge geblieben, die unsere schuld  / auf sich zu nehmen gewillt sind. / fadenförmige ich, kreiselförmiger du

Monika Rinck

Dangerous Liaison

Für Dagmar

Nadja Haefeli, Germanic Funeral 2, 2007
Nadja Haefeli, „Germanic Funeral 2“ (2007)

Manchmal laufe ich ihm zufällig über den Weg. Dann merke ich, nach wie vor habe ich ihm  nicht verziehen. Was daran so schwer sei, meinte dereinst eine Therapeutin. Jeder von uns beiße doch ab und an in einen sauren Apfel.

Spieglein, Spieglein an der Wand, wer ist die Schönste im ganzen Land?

Ist das der Punkt? Gekränkte Eitelkeit? Und warum komme ich nicht darüber hinweg? Nicht schön genug, nicht gut genug gewesen zu sein. Oder wenigstens vorausschauend genug, zu wissen, die Liebe lässt sich nicht verdienen.

Die erwähnte Therapeutin befand sich damals kurz vor ihrem Rückzug ins Private. Sie wollte den Abschluss unserer Sitzungsperiode möglichst rund gestalten. Und weil ich auch in dieser Situation, die Haut, in der ich lebe, nicht abstreifen konnte, mimte ich die perfekte Patientin und gab vor, geheilt zu sein.

Nur, immer wenn ich ihm zufällig über den Weg laufe, antwortet der Spiegel in mir:

Frau Königin, ihr seid die schönste hier, aber Schneewittchen über den Bergen bei den sieben Zwergen ist noch tausendmal schöner als ihr.

Snow White II

Marlene Dumas,
Marlene Dumas, „Snow White and the Wrong Story“

The playwright Arthur Adamov recorded how an ordinary street incident first made him aware of the dramatic possibilities of mutual solitude. He saw one day two young girls passing a blind beggar on the street. As they passed arm-in-arm, oblivious off the beggar, they sang a popular song of the day. „J’ai fermé les yeux, c’était merveilleux“ (closed my eyes, it was wonderful). It’s exactly the opposite of what has always been thought dramatic. Here we have the absence of communication, the absence of human sympathy and emotion and above all, the absence of conflict.

When I think of Rembrandt and dramatic moments I think of „The offering of Isaac“ where the gesture of the hand pushing on the boy’s face is unforgettable, or „Lucretia“ with the dagger. With my own paintings, apart from a wine glass or two, or some camera’s, the characters are mostly inactive and empty handed. In most cases the drama is psychical rather than pictorial (especially in the portraits). As the potential for narrative increases by including attributes and, or action (the small boy in „Snowwhite and the Wrong Story“; the clutching of the camera in „Snowwhite and the Broken Arm“…) the paintings become more dramatic in a theatrical sense.

Marlene Dumas on Drama

Snow White

Marlene Dumas,
Marlene Dumas, „Snow White and the Broken Arm“ (1988)

No matter what life you lead
the virgin is a lovely number:
cheeks as fragile as cigarette paper,
arms and legs made of Limoges,
lips like Vin Du Rhône,
rolling her china-blue doll eyes
open and shut.
Open to say,
Good Day Mama,
and shut for the thrust
of the unicorn.
She is unsoiled.
She is as white as a bonefish.

Anne Sexton, „Snow White and the Seven Dwarfs“

Wie man sich des Lichts der Träume auch am Tage noch erinnert…

Im Traum erschien mir Helene Schjerfbecks Räuber am Tor zum Paradies. Dazu die Worte Ilse Aichingers aus „Kleist, Moos, Fasane“:

Die stumme Landschaft, in die die Stimmen dringen.

Mit jedem in seiner Landschaft ausharren.

Liebe: aus dem Vergleich ziehen.

Nur die notwendigen Bewegungen.

Durch Raum und Zeit

Das Bildnis vom schreibenden Erasmus hatte Helene Schjerfbeck im Louvre gesehen. Was sie wohl bewogen haben mag, es an die Wand der Stube mit den lesenden Mädchen zu hängen und damit auch den fortwährenden großen Dialog in der Malerei fortzuführen. Und welcher Lektüre die beiden sich dort in Gegenwart der Alten Meister so überaus aufmerksam widmen, bleibt ein Geheimnis für sich. Wie ein Sattel nicht zum Ochsen, so passt die Bildung nicht zur Frau, diesen Satz legte der Humanist von Rotterdam in „Der Abt Antonius besucht Magdalia“ dem Abt in den Mund. Und lächelte dabei vielleicht so erasmisch wie auf Holbeins Portrait. Ein X für ein U lassen sich Schjerfbecks Lesende jedenfalls, wie es aussieht, nicht vormachen.

Displacement in Time

What might have been and what has been
Point to one end, which is always present.

T. S. Eliot, “Burnt Norton” (No. 1 of “Four Quartets”)

Immer noch bin ich auf der Suche nach meiner Lieblingsmalerin. Als mir diese Woche Helene Schjerfbecks Schneiderin begegnete, wurde mir wieder bewusst, wie sehr ich die finnische Künstlerin mag. Auf diese in einer Schaukelbewegung erstarrte Frau, deren Handwerkszeug ihr von der Taille baumelt wie ein loser Faden, trifft in meinen Augen zu, was Bianca Brunner über ihre Arbeit „Limbo“ sagt: Erinnerung ist auch an Bewegung geknüpft. Und wenn diese latent schwelenden Bilder in einer bestimmten Bewegung plötzlich aufflackern, können sie einen Riss in die Gegenwart brennen. Vielleicht auch den Vorhang durchtrennen, der manchmal so schwer zwischen den Zeitkorridoren lastet.

Mit dem Tiger schlafen

Ich weiß nur: Wenn ich in einer Wiese liege, möchte ich mich in ihr auflösen. Das wär‘ ein schöner Tod; die langsame Auflösung.

Maria Lassnig

(* 8. September 1919 in Kappel am Krappfeld, Kärnten; † 6. Mai 2014 in Wien)

Maria Lassnig, "Vom Tode gezeichnet" (2011)
Maria Lassnig, „Vom Tode gezeichnet“ (2011)
Maria Lassnig, "Mit dem Tiger schlafen" (1975)
Maria Lassnig, „Mit dem Tiger schlafen“ (1975)

„Ich trete gleichsam nackt vor die Leinwand, ohne Absicht, ohne Planung, ohne Modell, ohne Fotografie, und lasse es entstehen. (…) das einzig mir wirklich Reale (sind) meine Gefühle, die sich innerhalb meines Körpergehäuses abspielen“, so Maria Lassnig. Sie malt(e) nicht aus dem Bauch heraus, sondern sehr konzentriert aus dem Kopf – dort, wo das Gefühl zum Bild wird…

Dunkles Wachen

Ursula Stock „interessiert die erstarrte, ins Bild gefesselte Bewegung“, wie sie sich einmal geäußert hat. „Meine Landschaften gehen eine Verbindung ein von flächiger und illusionistischer Malerei. Äußere Erkennungsmerkmale einer Landschaft und erfundene Elemente werden zu einem subjektiven Landschaftsinnenraum.“

Ursula Stock, "Dunkles Wachen" (1980)
Ursula Stock, „Dunkles Wachen“ (1980)

Malerinnen / Romaine Brooks

Eine schöne Frau malt schöne Frauen. In sämtlichen Nuancen zwischen reinem Weiß und reinem Schwarz. Grau, grau, grau ist alles, was ich liebe… schimmernd, strahlend, so die eigentliche Bedeutung des althochdeutschen grāo dereinst. Die Bilder der Romaine Brooks changieren zwischen Widersprüchen. Ihre Frauen leuchten wie Solitäre auf der Leinwand. Einzigartig einsam oder unabhängig oder beides. Unberührbar in ihrer Strenge und dabei unendlich sanft eingebettet in all die Zwischentöne, die Romaine Brooks mit ihrer unbunten Palette zum Klingen bringt.

Romaine Brooks, "Renata Borgatti Au Piano" (1920)
Romaine Brooks, „Renata Borgatti at the Piano“ (1920)

 

Malerinnen / Maria Wiik

Auf Maria Wiik stieß ich in Zusammenhang mit Anna Anchers Mädchen in der Küche. Bei Wikipedia hieß es dazu:

Anna Anchers Bild „Pigen i køkenet“ (Mädchen in der Küche) von 1886/87 zeigt ebenso wie das 1889 entstandene Bild „Maailmalle“ (Hinaus in die Welt) der Finnin Maria Wiik eine Frau vor der Folie eines von Sonnenlicht durchschienenen Vorhangs. Die Frauen werden durch die Lichtregie erneut gerahmt; ihre Konturen verschärfen sich im Gegenlicht und ihre Köpfe scheinen selber Licht auszustrahlen. Anna Ancher baut einen Farb- und Strukturkontrast zwischen dem hellgelben, durchscheinenden Vorhang und der tiefschwarzen Bluse der Frau am Fenster auf, der durch den roten Rock verstärkt wird. Derselbe Kontrast wird von Maria Wiik angewendet und umgibt in ihrem Bild die stehende junge Frau mit einer Aura.

Maria Wiik, "Hinaus in die Welt" (1989)
Maria Wiik, „Hinaus in die Welt“ (1989)

Außer einem Eintrag auf Suomi konnte ich keine weiteren nennenswerten Informationen zu Maria Catharina Wiik (1853-1928) ausfindig machen. Ihre  Bilder von Kindern und Jugendlichen hinterlassen bei mir einen überzuckerten Nachgeschmack. Was mir an diesem hier gefällt: Wie sie den Moment des Verlassenwerdens der, vermutlich, Mutter durch die Tochter in Szene setzt. Die eine im Schein des Gegenlichts, das Gesicht der anderen fast schon erloschen. Der Strohhut, auf den der Blick der Alten gerichtet ist, wenn er nicht ins Leere geht, und den das Mädchen gleich vom Stuhl nehmen und sich aufbinden wird, leuchtet wie ein Vorschusslorbeer für die, die von ihm bedeckt hinaus in die Welt treten wird. In der Selbstverständlichkeit, mit der sie sich kleidet, liegt ja fast eine gewisse Grausamkeit, so absichtslos und unvermeidlich, wie der natürliche Gang des Geschehens in diesem Bild.

Malerinnen / Anna Ancher

Beim Googeln des Begriffes Malerinnen erhält man an erster Stelle einen Verweis auf die Seite von Fembio und eine Liste diverser Berühmtheiten, die dort unter diesem Schlagwort geführt wird. Berühmt ist nicht das Kriterium, aber nur die Hälfte der in alphabetischer Reihenfolge aufgezählten Namen kenne ich. In etwa. Ein Einstieg in medias res also. Den zweiten Hinweis auf einen Artikel bei Wikipedia merke ich mir: Frauen in der Kunst. Reich illustriert mit Selbstbildnissen von Malerinnen aus allen Epochen der Kunstgeschichte. Von diesen ist mir immerhin die eine oder andere schon begegnet.

Der Fembio-Film zu Anna Ancher, dem ersten Namen auf der Liste, gewährt Einblicke in ihr komplettes Schaffen. Bei Wikipedia gibt es auch einen lesenswerten Artikel über Leben und Werk dieser dänischen Malerin des Impressionismus, deren Arbeiten zu den Themenschwerpunkten Interieurs, Porträts, Mutter und Kind, Die blinde Frau, Trauer, Reisigsammeln, Erschöpfung und Schwermut, Geflügelrupfen, Schafschur und Schafwäsche sowie Landschaften mich sofort in ihren Bann ziehen. Bei den Interieurs fallen mir die magischen Licht- und Schattenspiele ins Auge, die immer wieder an den Vorhängen und Wänden der dargestellten Innenräume aufscheinen.

Anna Ancher, "Mädchen in der Küche" (1986/87)
Anna Ancher, „Mädchen in der Küche“ (1986/87)

Und das Porträt der Mutter ruft mir ein Projekt in Erinnerung, das ich mir vor einiger Zeit schon einmal vornehmen wollte: Maler und ihre Mütter. Ich mag es, wenn sich solche weiten Felder auftun.

Susanna und die Ältesten

Artemisia Gentileschi, „Susanna und die Ältesten“ (1610)

Susanna im Bade, alternativ auch Susanna und die Alten, ist eigentlich die biblische Erzählung von der Rettung der Susanna durch den Propheten Daniel. Die Geschichte ist unter dem ersten Titel nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch in der Rechtswissenschaft und in der Kriminalliteratur bekannt.

Nach Dan 13,1-64 EU lebte in Babylon ein reicher Mann namens Jojakim, der mit einer schönen und frommen Frau namens Susanna verheiratet war. In seinem Haus verkehrten auch zwei hoch angesehene alte Richter, die sich dabei in Susanna verliebten. In der Bibel heißt es: Da regte sich in ihnen die Begierde nach ihr. Ihre Gedanken gerieten auf Abwege und ihre Augen gingen in die Irre. (Dan 13,9 EU)

Sie lauerten der Frau heimlich im Garten auf, als diese ein Bad nehmen wollte, bedrängten sie und wollten sie zwingen, mit ihnen zu schlafen. Sie drohten, sie ansonsten zu beschuldigen, Ehebruch mit einem jungen Mann begangen zu haben. Doch Susanna blieb standhaft, weigerte sich und schrie. Die beiden Alten riefen ebenfalls lautstark, ließen Susanna verhaften und erklärten, sie beim Ehebruch überrascht zu haben. Daraufhin hielten sie öffentlich über die Frau Gericht und verurteilten sie zum Tode. Als das Urteil vollstreckt werden sollte, hatte Daniel eine göttliche Eingebung und stellte ein Verhör der beiden Zeugen an. Er fragte sie unabhängig voneinander, unter welchem Baum Susanna ihren Mann wohl betrogen hätte. Während der eine meinte, sie habe es unter einer Zeder getan, sagte der andere, es sei eine Eiche gewesen. Da erkannten auch die jüdischen Autoritäten und das zuhörende Volk die beiden Lügner, und Susanna kam frei. Die beiden falschen Richter aber wurden getötet.

Abgesehen von ihrer religiösen Bedeutung gilt die Geschichte in der Entwicklung der Rechtsprechung als wegweisend, weil sie den auch heute noch wichtigen Grundsatz der unabhängigen Zeugenbefragung betont.

Daneben haben sich zahlreiche Künstler dieses Themas angenommen. Dabei spielte wohl in der bildenden Kunst auch eine Rolle, dass das Motiv als biblisches Thema einen legitimen Anlass zur Aktmalerei bot. Aus einem anderen Blickwinkel betrachtet Artemisia Gentileschi das Thema: sie verzichtet auf romantische Attribute und stellt Susanna und ihre prekäre Lage in den Mittelpunkt.

(Quelle: wikipedia)